Jazz

Solitary Moon : quatre musiciens, une conversation avec l’histoire du jazz

Tommy Muellner n’a pas besoin de réinventer le jazz pour rappeler pourquoi celui-ci demeure une musique vivante. Avec Solitary Moon, publié par Calligram Records, le pianiste américain signe un disque qui avance à contre-courant d’une certaine idée du jazz contemporain, celle qui voudrait que chaque nouvel album soit tenu de proclamer sa différence avant même d’avoir trouvé sa voix. Rien de tel ici. Pas de manifeste, pas de grand geste esthétique, pas de volonté visible de faire table rase du passé. Muellner fait quelque chose de plus ancien et, paradoxalement, de plus difficile : il compose, il joue, il écoute. « Après avoir consacré toute une vie au jazz et à l’amour de la musique, je voulais simplement exprimer une idée musicale venue du cœur », écrit-il. Cette phrase, presque désarmante de simplicité, pourrait servir de clé à l’ensemble du disque. Car Solitary Moon ne cherche pas à convaincre par le discours. Il avance par petites touches, par inflexions, par silences, par cette circulation presque secrète de l’écoute entre quatre musiciens qui ont suffisamment de métier pour savoir qu’il n’est pas nécessaire d’occuper tout l’espace pour exister pleinement dans la musique.

Il y a, dans cet album, une connaissance profonde de l’histoire du jazz, mais aucune volonté de la transformer en monument. Muellner et ses partenaires ne jouent pas avec le passé comme on visite un musée. Ils y puisent, comme on revient dans une maison ancienne dont on connaît chaque pièce mais où la lumière change chaque jour. Le post-bop est là, dans la liberté du phrasé, dans la souplesse rythmique, dans cette manière de faire naître le discours à l’intérieur même de la forme. Mais il n’est jamais traité comme une formule à reproduire. C’est peut-être là que réside la qualité la plus précieuse de Solitary Moon. Le disque ne confond pas fidélité et immobilité. Il sait qu’une tradition ne reste vivante qu’à condition d’être interrogée, déplacée, habitée par des sensibilités nouvelles. Là où une partie du jazz contemporain semble parfois obsédée par la nécessité de paraître neuve, Muellner accepte une idée moins spectaculaire : une musique peut être profondément actuelle sans exhiber sa modernité. Elle peut même trouver sa force dans ce qui, à première vue, semble le plus familier. Encore faut-il avoir quelque chose à dire.

Et ce quelque chose tient beaucoup à la qualité du quartet. Clark Sommers, à la contrebasse, en est l’un des pivots les plus discrets et les plus décisifs. Son jeu ne réclame rien, mais il transforme tout. Il donne aux morceaux une assise chaleureuse, profonde, presque tactile, tout en maintenant sous cette stabilité une légère tension qui empêche la musique de s’endormir. Sommers appartient à ces bassistes dont on mesure l’importance après plusieurs écoutes, lorsque l’on commence à comprendre que certaines évolutions de la mélodie, certains changements d’atmosphère, certaines respirations du groupe sont nés de ses interventions. Il ne se contente pas d’accompagner. Il observe, répond, anticipe et, lorsque cela devient nécessaire, déplace imperceptiblement le centre de gravité du morceau. Dans les meilleurs passages, la contrebasse devient presque une conscience souterraine de la musique. Rien n’est souligné, rien n’est surligné. Sommers préfère suggérer. Cette économie de moyens est l’une des grandes vertus du disque, car elle permet aux autres instruments de conserver leur espace et donne au quartet cette qualité rare d’un organisme collectif plutôt que d’une juxtaposition de solistes.

Geof Bradfield, au saxophone, apporte une autre forme de profondeur. Son rapport à la tradition est manifeste, mais il n’est jamais révérencieux. Il connaît le vocabulaire du jazz suffisamment bien pour pouvoir s’en éloigner sans avoir à le renier. Son jeu est particulièrement convaincant lorsqu’il accepte de laisser les mélodies respirer, lorsqu’il renonce à la tentation de remplir chaque silence et permet à une phrase de prendre sa véritable valeur. Dans The Wind, notamment, Bradfield semble moins interpréter une composition que pénétrer progressivement dans son climat. Chaque note paraît pesée, non par prudence, mais parce qu’il sait que le silence fait partie du discours. Cette retenue lui donne une dimension presque narrative. On a le sentiment qu’il raconte quelque chose sans jamais chercher à nous dire exactement quoi. C’est l’une des qualités les plus difficiles à atteindre dans l’improvisation : suggérer une émotion sans la forcer. Bradfield y parvient avec une élégance qui donne envie de l’entendre davantage encore dans ce rôle de premier plan qu’il occupe ici par intermittence.

À la trompette et au cornet, Art Davis introduit une autre épaisseur temporelle. Sa carrière, marquée notamment par des collaborations avec Ray Charles et Frank Sinatra, pourrait facilement devenir un argument en soi. Elle ne l’est jamais. Davis ne semble pas entrer dans le studio avec l’intention de faire entendre son passé. Il le laisse parler à travers lui. C’est une différence essentielle. Chez certains musiciens chevronnés, l’expérience finit par devenir une démonstration. Chez Davis, elle est devenue une manière de respirer. Sa sonorité porte quelque chose de l’histoire du jazz, mais cette histoire n’est jamais figée. Elle est traversée par une fragilité, parfois même par une forme de pudeur, qui donne à certaines interventions une intensité particulière. Dans The Soldier in the Rain, notamment, son jeu semble porter le poids de ce qui a été vécu autant que celui de ce qui est écrit. La trompette ne cherche pas à conquérir la pièce. Elle la traverse. Et dans cette économie se produit quelque chose de très humain : l’interprétation cesse d’être une illustration de la composition pour devenir une expérience personnelle.

Phil Gratteau, à la batterie, pourrait sembler plus en retrait encore. Il est pourtant indispensable à cet équilibre. Son jeu est précis, mesuré, remarquablement attentif aux infimes déplacements du tempo. Il ne cherche pas à transformer chaque transition en événement. Il sait que le rôle d’un batteur n’est pas seulement de relancer la musique, mais aussi de lui permettre de respirer. Il pousse lorsqu’il faut pousser, se retire lorsque le morceau réclame de l’espace et maintient toujours cette sensation d’un mouvement intérieur. Sa batterie n’écrase jamais les autres voix. Elle les met en relation. Cette qualité d’écoute est peut-être la véritable signature de l’ensemble. Dans Solitary Moon, la virtuosité n’est jamais absente, mais elle a cessé d’être un sujet. Les musiciens n’ont plus besoin de prouver qu’ils savent jouer. Ils peuvent enfin se consacrer à ce qui est beaucoup plus difficile : décider ce qu’il faut jouer, quand le jouer et surtout quand ne pas le jouer.

La musique de Muellner prend une dimension supplémentaire lorsque l’on connaît son histoire. Issu d’une famille de musiciens professionnels, il a grandi dans un environnement où la musique n’était pas un objet lointain mais une présence quotidienne. Avant de trouver dans le piano son instrument de prédilection, il a exploré la batterie, la guitare, la basse et l’orgue. Cette trajectoire explique peut-être en partie la manière dont ses compositions envisagent le rythme. Il y a chez lui une attention constante à la pulsation, mais jamais au détriment de la mélodie. Son admiration pour Erroll Garner constitue également une donnée importante. Garner représentait une certaine idée du piano jazz : une joie presque physique, un swing qui semblait venir du corps avant de passer par les doigts, une capacité à faire danser la phrase elle-même. Muellner en conserve quelque chose, notamment dans son rapport au rythme. Mais il ne cherche jamais à reproduire son modèle. Et c’est heureux. Solitary Moon n’est pas un album de révérence. C’est un album de transmission.

Car entre Garner et Muellner, quelque chose a changé. Là où le premier pouvait donner au piano une légèreté presque rieuse, le second semble davantage attiré par les traces que laissent les émotions lorsqu’elles se sont éloignées. Sa musique est plus contemplative, parfois plus cérébrale, souvent teintée d’une nostalgie discrète. Mais cette nostalgie ne cherche jamais à faire pleurer. Elle observe. Elle se souvient. Elle accepte que certaines choses demeurent incomplètes. Il y a dans plusieurs compositions cette impression de regarder un paysage après le départ de ceux qui l’habitaient. Ce n’est pas une musique triste. C’est une musique consciente du temps. Et peut-être est-ce précisément ce qui lui donne sa profondeur.

Solitary Moon se situe ainsi dans cet espace de plus en plus précieux où la tradition et la création contemporaine cessent d’être présentées comme deux camps ennemis. Le débat est pourtant devenu familier. D’un côté, ceux qui voudraient préserver le jazz comme un langage patrimonial, avec ses codes, ses figures tutélaires et ses références obligées. De l’autre, ceux qui estiment qu’il faudrait constamment s’en éloigner pour prouver qu’il demeure pertinent. Muellner ne choisit ni l’un ni l’autre. Il fait quelque chose de plus fécond : il joue. Il accepte l’histoire comme une matière vivante. Il ne la vénère pas, mais il ne la rejette pas non plus. Le jazz, après tout, n’a jamais été une musique de conservation. Il s’est toujours construit dans le dialogue, dans l’emprunt, dans la transformation, dans la contradiction même. Chaque génération a parlé à la précédente avec ses propres accents. Solitary Moon s’inscrit dans cette longue conversation sans prétendre en être le point final.

C’est particulièrement évident dans The Soldier in the Rain, morceau où Art Davis semble concentrer une grande partie de cette philosophie. La trompette y possède une gravité qui n’a rien de théâtral. Elle avance avec la conscience de ce que le temps fait aux hommes et aux musiques. La composition demeure présente, mais elle semble presque s’effacer derrière celui qui la joue. C’est là que l’on touche à ce que le jazz peut avoir de plus bouleversant : le moment où la partition devient secondaire sans cesser d’être nécessaire. Ce qui compte alors, c’est ce que l’interprète apporte avec lui. Sa mémoire, ses habitudes, ses blessures peut-être, ses goûts, ses silences, tout ce qui ne peut être écrit sur une feuille mais qui finit par entrer dans le son. Davis ne raconte pas son histoire. Il laisse simplement son histoire modifier la manière dont il joue. L’effet est d’autant plus fort qu’il n’est jamais appuyé.

Après plusieurs écoutes, on comprend également que la véritable richesse de Solitary Moon se trouve dans les conversations discrètes qui traversent le disque. Elles sont partout. Entre Sommers et Gratteau, d’abord, dans cette manière qu’ont la basse et la batterie de se répondre sans jamais se disputer la place. Entre Bradfield et Davis ensuite, dans le contraste entre la finesse mélodique du saxophone et la densité historique de la trompette. Et surtout entre les compositions de Muellner et ceux qui les interprètent. Une composition n’est jamais ici une architecture fermée. Elle devient un espace de rencontre. C’est peut-être pourquoi l’album grandit avec l’écoute. La première impression est celle d’un disque solidement construit, maîtrisé, élégant. Puis viennent les détails. Une inflexion de basse. Une respiration. Un accent déplacé. Une phrase qui semblait secondaire et qui, à la quatrième écoute, apparaît soudain comme essentielle. Le disque ne cherche pas à impressionner immédiatement. Il préfère s’installer.

Cette patience devient presque une prise de position dans le paysage musical actuel. À l’heure où la musique est souvent consommée dans l’urgence, où l’on demande à chaque morceau de retenir immédiatement l’attention et où l’écoute est parfois réduite à quelques secondes avant le passage au titre suivant, Solitary Moon réclame autre chose. Non pas un effort, mais du temps. Il ne cherche pas à retenir l’auditeur par la force. Il lui propose de rester. La nuance est considérable. Il y a quelque chose de profondément humain dans cette confiance accordée à l’écoute lente. Et c’est sans doute aussi ce qui donne envie d’entendre le quartet en concert. Car si le studio révèle déjà une telle qualité d’interaction, la scène pourrait encore amplifier cette part d’imprévu qui constitue l’une des beautés fondamentales du jazz. Les morceaux pourraient s’allonger, se déformer, prendre des chemins inattendus. Les silences pourraient devenir plus longs. Les réponses plus immédiates. Une musique aussi attentive aux autres ne peut que gagner à se confronter au risque du direct.

Il serait toutefois inutile de transformer Solitary Moon en chef-d’œuvre absolu ou en événement historique. Le disque n’en demande pas tant et n’en a pas besoin. Sa réussite est ailleurs. Elle tient dans une forme de maturité qui devient presque rare : celle de musiciens qui n’ont plus besoin de courir après la nouveauté pour affirmer leur identité. Leur modernité ne réside pas dans les effets de surface, mais dans leur manière d’écouter. Leur sophistication ne tient pas à la complexité des arrangements, mais à la précision des choix. Leur liberté ne consiste pas à rompre avec la tradition, mais à savoir ce qu’ils peuvent encore en faire. C’est beaucoup.

Il y a surtout, dans Solitary Moon, une affection évidente pour cette musique. Cela s’entend. On entend le respect que les musiciens se portent, mais aussi leur plaisir à être ensemble. Cette dimension est essentielle et pourtant difficile à analyser. La technique peut être enseignée. Le style peut être étudié. L’histoire peut être apprise. Le plaisir de jouer ensemble, lui, ne se fabrique pas. Il apparaît ou non. Ici, il traverse le disque avec une discrétion qui lui évite de devenir démonstratif. Les quatre musiciens semblent savoir qu’un bon quartet ne fonctionne pas lorsque chacun cherche à être entendu, mais lorsque chacun entend les autres.

C’est finalement cette qualité d’écoute qui donne à Solitary Moon son véritable relief. Muellner apporte une écriture nourrie par toute une vie de musique et par une mémoire qui ne cherche pas à se transformer en nostalgie. Bradfield lui répond avec une intelligence mélodique d’une grande finesse. Davis introduit dans le quartet le poids d’une expérience qui n’a pas besoin d’être exhibée. Sommers en assure la circulation souterraine, cette direction invisible qui empêche la musique de perdre son centre. Gratteau en construit le mouvement, avec une économie et une précision qui laissent aux autres toute leur liberté. Aucun ne cherche à prendre le pouvoir. Et c’est précisément ainsi que le groupe en acquiert un.

Solitary Moon appartient donc à cette catégorie d’albums qui ne font pas nécessairement beaucoup de bruit lors de leur arrivée, mais dont la présence s’affirme avec le temps. Il n’offre pas de réponse spectaculaire à la question de savoir où va le jazz. Il pose une question plus intéressante : que peut encore devenir cette musique lorsque ceux qui la jouent connaissent suffisamment son histoire pour ne plus avoir besoin de la démontrer ? La réponse de Tommy Muellner est d’une simplicité presque désarmante. Ils peuvent encore écouter. Ils peuvent encore dialoguer. Ils peuvent encore prendre une mélodie connue, un rythme ancien, une harmonie familière et y déposer quelque chose qui leur appartient. Le jazz n’a peut-être jamais eu besoin de davantage. Son avenir ne se trouve pas forcément dans la rupture permanente, ni dans la course à l’innovation. Il peut aussi résider dans cette capacité, plus humble et plus exigeante, à faire entendre autrement ce que l’on croyait déjà connaître. Solitary Moon ne cherche pas à réinventer le jazz. Il lui rend quelque chose de plus précieux : son droit à la mémoire, au silence, à la nuance et, surtout, à l’écoute.

Thierry De Clemensat
Member at Jazz Journalists Association
USA correspondent for Paris-Move and ABS magazine
Editor in chief – Bayou Blue Radio, Bayou Blue News

PARIS-MOVE, September 3rd, 2026

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Tommy Muellner Album Release : October 5, 2026 – Jazz Showcase – 806 S Plymouth Ct Chicago

To buy this album (Octoner 2^nd, 2026)

Website

Musicians :
Tommy Muellner, piano
Clark Sommers, Bass
Geof Bradfield, Reeds & flutes
Art Davis trumpet & Flughorn
Phil Gratteau, drums

Track Listing :
While We’re Young
Like Someone In Love
Sandy Samba (Ahma’s Garden)
The Wind
I Remember you
The Soldier In The Rain
Cruz Tunes
Oceans In The Sky
Monk See, Monk Do
Make someone Happy
Polka Dots & Moonbeams
Solitary Moon (Aka Moon Song)
Somewhere
Diana/Dany Boy
Why Did I Choose you