Steve Wilson - Enduring Sonance (FR review)

Jazz

Résumé: Un album de jazz raffiné et profondément personnel, dans lequel Steve Wilson transforme des souvenirs musicaux durables en réinterprétations élégantes et contemporaines.

Enduring Sonance de Steve Wilson: la mémoire transfigurée en jazz contemporain

Dès ses premières mesures, Enduring Sonance se présente moins comme un album de jazz conventionnel que comme une méditation sur la mémoire, sur la manière dont certaines mélodies s’ancrent, persistent et façonnent silencieusement, au fil des décennies, l’univers intérieur d’un musicien. Avec cette parution, Smoke Sessions Records ne livre pas simplement une session de haute tenue, mais propose une œuvre qui interroge la notion même de permanence musicale.

Au centre de ce projet se tient le saxophoniste et flûtiste Steve Wilson, entouré d’un ensemble remarquable: la pianiste Renee Rosnes, le vibraphoniste Joe Locke, le contrebassiste Jay Anderson et le batteur Kendrick Scott. Tous sont des chefs de formation accomplis, ce qui rend d’autant plus saisissante la cohésion qui se dégage de l’enregistrement. Ce qui aurait pu tourner à la confrontation de voix singulières s’épanouit ici en une conversation subtilement accordée, rigoureuse, attentive et, par instants, discrètement audacieuse.

Le principe en est d’une élégante simplicité : revisiter des morceaux ayant laissé une empreinte durable dans la conscience musicale de Wilson. «Certaines de ces mélodies m’accompagnent depuis plus de cinquante ans », confie-t-il. « Je voulais créer quelque chose auquel les auditeurs puissent se connecter, quel que soit leur horizon musical.» Cette universalité est bien présente, mais filtrée à travers un prisme profondément personnel, conférant à l’album à la fois accessibilité et singularité émotionnelle.

Musicalement, Enduring Sonance se distingue par son sens du détail. Le raffinement harmonique de Rosnes apporte une clarté lumineuse aux arrangements, tandis que le vibraphone de Locke introduit une dimension miroitante, presque cinématographique. La contrebasse d’Anderson, à la fois discrète et structurellement essentielle, ancre l’ensemble dans une fluidité constante, tandis que la batterie de Scott conjugue retenue et impulsion. Quant à Wilson, il évolue avec aisance entre chaleur et précision, son phrasé empreint d’une patience lyrique qui laisse à chaque note le temps de pleinement résonner.

Pourtant, cette beauté maîtrisée n’est pas exempte de limites. Par moments, l’album semble s’installer trop confortablement dans son raffinement. On pourrait souhaiter une rupture plus nette, un détour inattendu, une déconstruction plus radicale susceptible de pousser le matériau au-delà de ses origines. Les réinterprétations demeurent constamment élégantes, mais rarement abrasives; elles privilégient la continuité à la rupture. Selon la sensibilité de l’auditeur, cela pourra apparaître comme une réserve ou comme un choix esthétique pleinement assumé.

Ce que l’album perd éventuellement en tension, il le regagne largement en cohérence et en profondeur. Il ne s’agit pas ici de réinventer pour réinventer, mais d’un geste de renouvellement mesuré et réfléchi. En cela, il s’inscrit dans une tendance plus large du jazz contemporain, qui envisage la réinterprétation comme un moyen de prolonger la tradition plutôt que de la rompre.

Le répertoire illustre parfaitement cette démarche. Wilson puise dans un éventail riche et révélateur, allant de compositeurs de jazz contemporains comme Billy Childs et George Cables à des figures issues de la soul, de la pop ou de la musique de film telles que Gino Vannelli et Michel Legrand. La présence d’artistes comme Quincy Jones et Milton Nascimento élargit encore l’horizon de l’album, brouillant les frontières stylistiques et affirmant que la grande musique échappe aux catégories.

La démarche de Wilson traduit également une forme d’indépendance discrète. «J’aime le Great American Songbook, reconnaît-il, mais je suis attiré par des pièces moins rebattues, des morceaux que j’ai toujours voulu enregistrer.» Une intuition décisive, qui confère à l’ensemble un sentiment de découverte, même lorsque les sources sont familières.

La complicité entre Wilson et Anderson, forgée au sein de l’orchestre de Maria Schneider, constitue l’une des forces majeures du projet. «Jay est l’ingrédient secret», affirme Wilson, et l’on comprend aisément pourquoi: ses lignes contrapuntiques animent la musique de l’intérieur, instaurant un mouvement continu, autant ressenti qu’entendu.

S’il fallait retenir une réussite essentielle de Enduring Sonance, ce serait sa capacité à rendre le temps audible, à transformer des décennies d’écoute en une expérience au présent. L’album ne cherche ni à éblouir ni à submerger; il invite à l’immersion, révélant, à chaque écoute, de nouvelles strates de détail.

Au bout du compte, sa résonance ne s’impose pas d’emblée: elle s’inscrit dans la durée, fidèle à son titre. Et s’il ne constitue pas la proposition la plus radicale du jazz de 2026, il s’impose sans conteste comme l’une des plus réfléchies et des plus finement accomplies, un disque qui ne réclame pas l’attention, mais qui la conquiert, patiemment, et la retient.

Thierry De Clemensat
Member at Jazz Journalists Association
USA correspondent for Paris-Move and ABS magazine
Editor in chief – Bayou Blue Radio, Bayou Blue News

PARIS-MOVE, April 20th 2026

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